作者：王甦

　　宫崎骏经典动画片《千与千寻》上映于2001年，彼时，日本正处于经济低迷期，整个社会弥漫着对未来的迷茫与不安。十岁女孩千寻被迫在陌生世界生存的故事，契合了新世纪曙光尚不明朗之时日本观众的心理状态，而孩子作为人类的未来和希望，更需要受到鼓舞和重视。宫崎骏接受采访时表示：“我想制作一部告诉孩子们‘活着真好’的电影。”创作初衷赋予了原作天然的双重色彩：表面是五彩缤纷、奇幻冒险的童话故事，内核则是关于成长、记忆和自我救赎的寓言。

　　忠于原作是优势也是劣势

　　2022年2月，舞台剧版《千与千寻》在东京帝国剧场首演，时隔21年，观众依旧被千寻的冒险感动。2024年，《千与千寻》在伦敦的巡演引发热烈讨论，尽管存在文化隔阂，英国观众并不那么理解日本神话体系和民间传说，但他们依旧喜欢这部情感表达细腻的作品，陌生的文化符号反而增加了几分神秘感。

　　有观众在社交媒体上分享观后感时提到：“即使不完全明白每个细节，但情感是共通的——千寻的成长、孤独、友谊，这些主题超越了文化差异。”英国《卫报》的剧评人称赞其“将动画的奇幻世界完美转化为舞台的实体魔法”；《泰晤士报》特别提到无脸男的塑造，认为演员的肢体表演和面具设计“既诡异又令人着迷”。

　　今年7月，《千与千寻》登陆上海文化广场，每轮开票都在短时间内售罄，更有大量电影粉丝专程赴上海，只为再次和千寻、白龙、无脸男相遇。相较于英国观众探秘猎奇的观赏心态，中国观众对《千与千寻》的亲近感更强烈，解读也更深刻。相信很多观众看过不止一次原版电影，对人物、场景和“别吃太胖，会被杀掉啊”等台词非常熟悉，正因如此，中国观众会对舞台剧的期望更高，要求难免更加苛刻。

　　《千与千寻》作为一部经典动画电影，故事引人入胜、立意深刻、制作精良，还有久石让创作的音乐，是观众心中难以超越的高水平之作。舞台剧版非常忠实于原作，这是优势也是劣势。很多观众认为其舞台转化缺乏创新，也有观众看到了其独特呈现，认为创作者给出了旧作在当下的新意。

　　电影动画魔法转化为舞台魔法

　　和其他动漫改编作品有些不同，《千与千寻》本就没有令人热血沸腾的高燃场面和跌宕起伏的复杂剧情，千寻只是个普通得不能再普通的女孩，她的故事最动人之处就是平凡而不平庸。舞台剧版抓住了这个气质，还原了电影中的人物和场景，保留了造型和音乐，舞美没有使用过多的多媒体和装置，让舞台充满带有回忆气息的调子。

　　英国导演约翰·凯尔德在创作舞台剧版时做出了一个关键决定：保留故事主干，但在表现形式上进行彻底剧场化。这导致了一些不可避免的损失，电影中那些叹为观止的飞行场景、千寻表情的微妙变化、场景转换的魔幻流畅性，在舞台上不得不被简化或重新结构。因此，千寻在花丛中奔跑、和无脸男一起坐小火车等场景，无法比肩动画电影里的唯美梦幻感。

　　然而，这种损失也换来了意想不到的效果，现场表演带来即时性和呼吸感，演员用肢体和表演与观众建立了更奇妙的情感链接。满身污垢的河神来汤屋洗澡，精彩的群舞场面让剧场的气氛瞬间沸腾，脏兮兮的河神身上的污垢瞬间消失，清爽的神明回到人间，这魔术般的手法让观众忍不住发出惊呼。另一个让人念念不忘的场景是无脸男吞噬青蛙后开始“吃”人，他的身躯变得越来越大，最后身体大到挤破了汤屋。在千寻拒绝收下“金子”后，无脸男不断“吐出”体内的人，身体逐渐变小，直到恢复正常，这些显然都是独属于舞台的奇幻场景。

　　舞台剧版本对无脸男的人物形象也有深层挖掘。电影播出后无脸男非常受欢迎，但关于他的一切是空白而神秘的。舞台上的无脸男不再是一个二次元神秘形象，通过演员的肢体表演，他获得了更立体的塑造和更丰富的心理层次，孤独感和另类感被放大，他对千寻的善意和对他人的狂躁攻击形成鲜明对比。这样的处理让无脸男超越了白龙，成为全剧最受欢迎的男性角色。

　　汤婆婆和双胞胎姐姐钱婆婆由同一位演员扮演，用声音和神态演出了二者之间的微妙差异。戏剧舞台虽然无法如电影镜头呈现得那样细腻，但它同样是个放大镜，可以强调人物性格和造型的轮廓线条，强化视觉冲击力。当多名演员共同操纵的发怒的巨型汤婆婆头部做出表情时，那张曾经被称为“童年阴影”的脸再次给观众带来巨大的心理冲击。

　　千寻的父母变成猪的过程被表现得比电影更加戏剧化，带有某种荒诞色彩。原作中小怪物们的舞台造型也设计了很多小花招，如穿戴偶、铁肢木偶等形态，处处透着巧思和用心。这些设计契合宫崎骏对“每一帧都要充满细节”的坚持，也触摸到电影原作精神世界的核心——那个我们既熟悉又陌生的世界充满未知，恐惧和美好从来都不是壁垒分明的对立关系。

　　映照原作也创造裂隙

　　汤屋是《千与千寻》最重要的舞台场景，这个充满日本传统元素又光怪陆离的空间，成为现代社会的微缩模型，各种神明象征着被现代人遗忘的自然与精神力量，而千寻像极了看着电影长大的我们。

　　汤屋是个小小的职场，千寻和所有人卖力工作，不断被汤婆婆打压，让人联想到现实中的压力，而“忘记名字就会迷失自我”的主题也和当代年轻人的身份焦虑相契合。千寻，一个承载父母希望和祝福的名字，在工作中变成了“千”，就像我们在职场变成了小王、小李、小张。

　　电影《千与千寻》诞生至今24年过去了，在全球面临气候危机、女性变得更为独立的世界里，舞台剧版在当下被赋予了更丰富的意义，千寻的故事获得了新的共鸣。舞台剧更加突出千寻女性的主体意识，尽管她只是个小孩子，依旧可以坚定地对汤婆婆说“不”；河神洗澡的场景也被看作对海洋污染、全球气候变暖等环境问题的警示；而人类普遍的精神迷失、对金钱疯狂追逐、阶段性自我怀疑等问题，都让这部作品与当代观众产生了直接联接。

　　舞台剧版《千与千寻》证明了伟大的故事能够超越时间和体裁的限制，在新的艺术形式中获得重生。它既是一面忠实反映原作主题的镜子，又是一道敢于制造创造性裂隙的光芒。那些改编中失去的动画魔法，被善于制造梦境的剧场手法弥补和再造，让我们重新思考宫崎骏原作的丰富性。在改编作品盛行的当下，如何选择适合舞台改编的作品，转化原作的优点和精髓，找到改编版本的独特落脚点，《千与千寻》显然给出了令人满意的答案。

　　当舞台上的千寻最终找回自己的名字，观众席中的我们也经历了一场关于记忆、身份与成长的仪式，短暂地找回了曾经快乐地看动画片的自己。我们还有勇气坐上那辆通往未知的小火车吗？如果和千寻一样，预先知道走过去就再也无法回头。